Die Tiefen der Menschenseele

„Unser Leben mit all seinen Geschichten gleicht in seiner kunstvollsten Ausprägung vielleicht mehr einem Novellenroman als einem Roman.“

So sagt es Jean-Claude Lin im Vorwort des ‚a tempo‘-Magazins in der August-Ausgabe 2017.

Er bezieht sich dabei auf Leo Perutz‘ Novellenroman „Nachts unter der steinernen Brücke“; ich verlinke unten einen Artikel, in dem er liebevoll besprochen wird.

Ein Roman also, der sich aus Novellen zusammensetzt.

Friedrich Spielhagen definiert in „Novelle oder Roman?“ 1876: 

„Der Unterschied zwischen Novelle und Roman hat den Aesthetikern schon viel Kopfzerbrechen verursacht. Indessen, man hat sich im ganzen und großen doch geeinigt und braucht keinen erheblichen Widerspruch zu fürchten, wenn man jenen Unterschied ungefähr so charakterisiert: die Novelle hat es mit fertigen Charakteren zu thun, die, durch eine besondere Verkettung der Umstände und Verhältnisse, in einen interessanten Konflikt gebracht werden, wodurch sie gezwungen sind, sich in ihrer allereigensten Natur zu offenbaren, also, daß der Konflikt, der sonst Gott weiß wie hätte verlaufen können, gerade diesen, durch die Eigentümlichkeit der engagierten Charaktere bedingten und schlechterdings keinen anderen Ausgang nehmen kann und muß. […] Der Roman hat es weniger auf eine möglichst interessante Handlung abgesehen, als auf eine möglichst vollkommene Uebersicht der Breite und Weite des Menschenlebens. Er braucht deshalb – und gerade zu seinen Hauptpersonen – nicht Menschen, die schon fertig sind, und, weil sie es sind, wo immer sie eingreifen, die Situation zu einem raschen Abschluß bringen, sondern solche Individuen, die noch in der Entwicklung stehen, infolgedessen eine bestimmende Wirkung nicht wohl ausüben können, vielmehr selbst durch die Verhältnisse, durch die Menschen ihrer Umgebung in ihrer Bildung, Entwicklung bestimmt werden, und so dem Dichter Gelegenheit geben, ja ihn nötigen, den Leser auf großen, weiten (allerdings möglichst blumenreichen) Umwegen zu seinem Ziele zu führen.

Natürlich ist dieses Ziel für den Novellisten und Romandichter im Grunde dasselbe: die Einsicht in die Tiefen der Menschenseele;[…]“ [Friedrich Spielhagen: „Novelle oder Roman?“ (1876). In: Ders. Beiträge zur Theorie und Technik des Romans. Leipzig (Staackmann) 1883, S. 245 – 257, hier S. 245 – 248.]

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Ich mag beide Genres, und ich stimme Lin und Spielhagen zu: die Ereignisse bilden am Ende den „Lebensroman“. Es ist dasselbe Leben, das man einmal als Ganzes, aus der Ferne, „von oben“ betrachten (und das in groben Zügen durch Daten und Lebensabschnitte strukturiert ist und in seiner Entwicklung grob verfolgt werden) kann. Und zum anderen wird man einem Leben, einem Menschen erst durch „Heran-Zoomen“ wirklich gerecht, kann so manche Entwicklung besser nachvollziehen, im besten Fall verstehen.

Es braucht die Betrachtung der Details, das genaue Hinschauen, das bewusste Lesen, das Innehalten auch – vielleicht gerade – in Zeiten, in denen alles so schnell vorangetrieben wird, wo ein schneller kurzer Erfolg einem langfristig angestrebten guten Ergebnis vorgezogen wird. Wo heute in derselben Sache Hype und morgen „Sau-durchs-Dorf-Treiben“ angesagt ist. Wo Menschen von ihrer Erfahrung berichten, dass Aufklärung nicht so „interessant“ ist wie manche Falschmeldung und daher weniger Gehör findet.

Wir brauchen, denke ich, sowohl die Übersicht über die Epochen und ihre Entwicklung, um die Dinge in Relation zu bringen, aber müssen uns trotzdem zu den Ereignissen positionieren (und manchmal auf sie reagieren), die unser Hier und Jetzt bilden. 

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https://www.welt.de/welt_print/kultur/literatur/article8997757/Nachts-unter-der-steinernen-Bruecke.html

https://de.wikipedia.org/wiki/Leo_Perutz

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Authentizität

„Jedenfalls ist es immer ein Dialog.“

Es hilft zum Verständnis der folgenden Interview-Ausschnitte, die Geigerin Patricia Kopatchinskaja einmal beim Sprechen zu hören und zu sehen. Ich bedaure, dass ich die Dokumentation nirgendwo mehr komplett finde.

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http://www.migros-kulturprozent.ch/de/home/ein-konzertsaal-ist-keine-wellnessoase

„Ich wollte keine Kompromisse machen, sondern die Leute finden, mit denen ich eine gemeinsame Sprache teilen kann.“

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„Das lässt Raum zum Lernen. Es ist nicht wie in Wien oder London, wo man wirklich gut sein muss.“

Bitte? An kleinen Orten müssen Sie nicht so gut sein?

„Doch, doch … aber da kann ich es wagen, auch einmal zu experimentieren. Da kann ich Dinge tun, von denen ich noch nicht weiß, ob sie gelingen oder nicht. Und deswegen sind für mich die kleineren Orte fast interessanter als die großen, wo man wirklich das liefert, was man schon über die Stücke herausgefunden hat. Allerdings bin ich auf gutem Weg, auch dort freier spielen zu können. Ich möchte den Konzertbesuchern in London oder Wien verständlich machen, dass diese Freiheit der Motor für Bewegung und Entwicklung ist. Musik ist nicht etwas, das immer zu 100 Prozent klappt. Es geht nicht darum, alle Töne rund und schön abzuliefern.“

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„Wer mit einer vorgefertigten Meinung ins Konzert kommt, kann bei mir nur enttäuscht werden. Ich spiele nicht das, was man erwartet.“

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„Das Publikum hat sich an mich gewöhnt. Es erwartet sogar zunehmend das, was ich verständlich zu machen versuche: Dass es neben spielerischer Perfektion und der immer gleichen einbetonierten Fassung eines Stückes, die man von den Schallplatten her kennt, auch andere Wege gibt.“

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Ist, wer Ihr Mozart-Spiel kritisiert, in der Zeit stehen geblieben?

„Eine solche Person ist in ihrer Persönlichkeit stehengeblieben und kann nicht aus sich heraus – eine solche Person will immer wieder das genießen, was sie verstanden hat. Ich glaube, Kunst muss einen Menschen auch mit Dingen konfrontieren, die er nicht mag.“

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„Das ist wie mit den Kleidergeschäften – von London bis Zürich: Alles sieht gleich aus! Die musikalische Globalisierung ist enorm stark. Überall spielen die gleichen Leute das gleiche Programm. Es gibt kein Gesicht mehr.“

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Entstehungsgeschichte/n

Die Schmuck-Künstlerin Heidi-Jeannette Valkenburg kenne ich von den Künstlermärkten im Sandbauernhof Liedberg, die, von einer Freundin und mir initiiert, von 2007 bis 2012 dort stattfanden. So sah ich ihre Arbeiten sofort live und war fasziniert von ihrer zierlichen Schönheit. Ich selbst schätze mich glücklich, ein paar Schneeflöckchen-Ohrstecker aus ihrer Fertigung zu besitzen.

Hier lässt uns die Goldschmiedin, die sagt, dass sie Schmuck mache, solange sie denken kann, sobald sie „sehen, aufnehmen und in irgendeiner Form umsetzen konnte, was in [ihrer] Vorstellung entstand“, an den Entstehungsgeschichten ihrer edlen Arbeiten teilhaben:

„Um sichtbar zu machen, was eigentlich in meiner Werkstatt geschieht, damit am Ende ein Schmuckstück entsteht, sind hier für einige Arbeiten die Stationen des Bauens dokumentiert. Wer also wissen möchte, wie aus einem Stück Gold oder Silber oder einer Wachsform eine kleine Kostbarkeit wird, ist herzlich eingeladen, sich die ‚Bildergeschichten‘ anzuschauen.“

https://geschmie.de/entstehungen

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Kunst lassen oder: Die ureigene essenzielle Idee

Vielleicht deckt sich ja das, warum jemand mal mit Kunst (oder der Beschäftigung mit ihr) angefangen, weitergemacht, aufgehört hat, in der Auseinandersetzung mit dem Weg irgendeines anderen Menschen, der mit Kunst gar nichts zu tun hat, rein vom Be-Weg-Grund her… ist das auch für Euch vorstellbar?

Warum beginnt jemand, warum hast DU begonnen – wenn es so ist – Dich mit Kunst zu beschäftigen? Wenn Du ganz zurück gehst in Gedanken… was war Dein Hauptbeweggrund dafür? Ich glaube nicht daran, dass jeder, der beginnt, Kunst zu „machen“, Kunstgeschichte schreiben möchte (wie es ein Freund mal formuliert hat, der es, wenn ich es richtig erinnere, von seinem Professor hatte); dass es beispielsweise um Berühmtheit geht. Aber ich glaube fest, dass jede Person, die damit mal begonnen hat, einen Mitgestaltungsimpuls hat, sich in die Welt einbringen möchte, und das dann bestmöglich. Manchmal aus rein ästhetischen Gründen, um die Welt ein bisschen schöner zu machen, oft aus inhaltlichen Gründen, um die Welt zu bewegen. Ich benutze hier bewusst keine Wertung, obwohl ich finde, dass inhaltliche Auseinandersetzung die Welt oft auch ein Stückchen „besser“ machen kann; „besser“ im Sinne von (und es beginnt immer mit) Bewusstmachung, und Bewusstmachung beginnt ganz oft mit Zeigen, mit Hinweisen auf etwas, das der andere noch nicht (so) gesehen hat.

Warum habe ich im ersten Absatz keinen Unterschied gemacht zwischen anfangen, weitermachen und aufhören? Weil es für die in meinen Augen wünschenswerte und unerlässliche Auseinandersetzung in und mit der Welt egal ist, zumindest im Fall von Kunst. Wenn jemand mal Kunst „gemacht“ hat und das irgendwann nicht mehr tut, dann ist doch da immer noch derselbe Mensch mit seinen Gefühlen, Gedanken und Motivationen in der Welt, die vielleicht kaum anders sind zu den früheren Gefühlen, Gedanken und Motivationen… und Auseinandersetzung und „Geben“ werden einfach anders weiter stattfinden.

Vielleicht hören sich meine Worte nicht schlüssig an für viele, die mich kennen, weil ich andererseits sage, dass ich es wohl niemals lassen wollen werde, mich auch im Malen (oder sonst wie kreativ) auszudrücken. Ich müsste es also abwegig finden, Kunst zu „lassen“, wenn ich irgendwann mal damit angefangen habe.

Was bedeutet „abwegig“? Im landläufigen Sinne irrig, abseitig, ungereimt, fremd, verfehlt, weithergeholt, unmöglich, unbegründet, unlogisch, unsinnig, unhaltbar, unberechtigt, unrealistisch, unzutreffend, falsch, vernunftwidrig, verstiegen, ausgefallen, entlegen, befremdlich, absonderlich, ohne Sinn und Verstand, unausführbar, absurd (mit freundlicher Unterstützung durch ‚wissen.de‘).

Für mich bedeutet es auch neutraler „ab“ zu gehen von einem vertrauten „Weg“. Ich finde Kunst zu „lassen“ weder irrig noch verfehlt, auch nicht unlogisch oder falsch.

Kunst zu „lassen“ ist eine Entwicklung, die man würdigen sollte wie jede andere Entwicklung auch. Man kann sie auch werten, aber sicher nicht einteilen in „richtig“ oder „falsch“. Nachspüren, was der Beweggrund sein könnte für „aufhören“ ist genau so fruchtbar wie das Erspüren des Grundes für „anfangen“.

Ich kann Kunst nicht getrennt sehen von all den anderen Dingen, die in der Welt sind. Ich kann alles, was mit dem Menschen zu tun hat, nur noch ganzheitlich denken. Wann immer Menschen etwas tun oder lassen, sind im besten Fall – wenn Dinge freiwillig geschehen – Überlegungen vorausgegangen, begleitet von Gefühlen und Erlebnissen. Und das hat immer seine Berechtigung. Verantwortung kann man auf verschiedene Arten tragen.

Kunst kann nur nachrangig, höchstens beirangig funktionieren; sie kann nur als bereichernd empfunden werden, wenn sie eingebettet ist in ein ganzheitliches Menschenbild, und der Mensch/die weltlichen Lebewesen, sind das, worum es geht. Und zwar nicht hochherrschaftlich gedacht, sondern kameradschaftlich, für ein gutes, für alle (zumindest in den Grundvoraussetzungen) zufriedenstellendes Miteinander.

Was ist die Essenz dessen, das Dich zu den Dingen bringt, Deine ureigene essenzielle Idee? Und ist es nicht dieselbe Essenz, die Dich manchmal auch wieder weg führt, woanders hin?

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Co-Kreativität

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Ich bin eine Co-Kreative.

 

Auf einmal wird klar, warum einige Gespräche so gelaufen sind, wie sie gelaufen sind, besonders hier im Netz, wo man ohne Mimik und Gestik auskommen muss; jedenfalls größtenteils, es sei denn, man benutzt Skype. Emojis helfen da nur bedingt.

 

Wenn ich mich mit Menschen unterhalten habe, die in irgendeiner Form professionell mit Kunst zu tun hatten, kamen wir miteinander recht schnell an unsere Grenzen. (Ich muss hier einschieben, dass meine Erfahrungen in der letzten Zeit besser bis gut geworden sind, womöglich, weil immer alle beteiligten Parteien mit Klarnamen und Foto unterwegs waren. Womöglich läuft das wie bei der Hundebegegnung: entweder sind beide an- oder abgeleint 😉 …)

 

Damals aber, in Chatrooms, wo sie sich klangvolle Nutzernamen gaben, haben Gespräche nicht funktioniert; „funktioniert“ im Sinne von „Austausch, der beiden Seiten etwas gibt“; ich habe hier schon davon berichtet. Sowie klar war, dass ich nicht akademisch, sondern „nur“ mit dem oft zitierten, zumindest halbwegs gesunden Menschenverstand unterwegs war, fanden sich immer zwei, drei, vier Personen, die sich zusammentaten, um mich „wegzubeißen“.

 

Ich hatte für mein Anliegen keinen schnellen, treffenden Namen, kein Schlagwort, kein Etikett. So musste ich es beschreiben; das braucht halt manchmal fünf Sätze, aber ich hatte nur diese. Danach war ich raus. Jede weitere Bemühung, mich noch einmal neu, noch einmal anders zu erklären, wurde mit der Frage beantwortet, was ich dort noch wolle, warum ich mich weiter „abarbeite“ und dergleichen mehr.

 

Ich weiß nicht, ob der Ansatz Gerald Hüthers dort geholfen hätte, mich zu erklären, aber ich weiß, dass er mir jetzt, Jahre später, hilft, indem er mir einen Begriff liefert. Da ist auf einmal ein schnelles Wort, auf das ich zumindest aufbauen kann!

 

Es ist auf einmal völlig klar, dass man mit der Bewerbung für Offenheit nicht in einer Gemeinschaft punkten kann, die sich abgrenzen will. Mein Ansatz war falsch; mir leuchtete auf einmal auch ein, dass schon meine bloßen Fragen Angst einflößten, denn anders als mit diesem Begriff ist die unfassbare Unfreundlich-, ja beinahe Feindseligkeit nicht zu erklären gewesen. Was ich da wohl auslöste, wurde mir lange, lange Zeit später erst so richtig bewusst: die Mauer, deren Bauplan in den real existierenden Köpfen hinterlegt und die in monatelanger Kleinarbeit nun eins zu eins in diesem virtuellen Raum aufgebaut worden war, war in Gefahr, und ich war die Abrissbirne.

 

Mein Wunsch wäre gewesen, sich ohne Arroganz zu begegnen, denn ich denke (weil erlebe), dass Fragen, die irgendwie unpassend erscheinen, oft gerade wunde Punkte berühren, genau ins Schwarze, genau den Kern der Sache treffen.

 

Wofür ist Kunst gut?

 

Das habe ich oft gefragt, wenn ich den Eindruck hatte, dass das Ausschlussverfahren im System Kunst nur einer ausgesuchten Menschengruppe dient. Für mich geht es immer und überall um ein gemeinsames Weiterkommen, um das bestmögliche Zusammenleben und Weiterentwickeln von Menschen; bestmöglich in jedem Bereich. Da kann Kunst gar nicht alleine stehen und eifersüchtig abschirmen, wen oder was auch immer.

 

Dass man sich frei begegnen, interdisziplinär austauschen und sich starren Systemen entziehen möge, wird oft verwechselt mit der Ablehnung von „Leistung“, was mir aber völlig fern liegt. Was ich ablehne, ist der Energieabzug durch ein Leistungsdenken, das durch Konkurrenz geprägt ist und zumindest auf mich lähmend wirkt. Und welches Systeme nur immer starrer und enger werden lässt und durch Intransparenz merkwürdige, manchmal sogar kriminelle Blüten treiben kann (s. Kunstmarkt).

 

Diese (in meinen Augen gesunde) Art der Ablehnung wird meines Erachtens noch nicht ausreichend gesellschaftlich diskutiert. So verheddern sich Menschen in Talkshows in der Frage, welche Berufsgruppe wohl welchen Verdienst verdient hat, alle hervorgegangen aus einem System des Zusammenlebens, das Unterschiede da macht, wo sie dem friedlichen Zusammenleben schaden. Ja, natürlich gleicher Lohn für gleiche Arbeit, aber doch auch: gleicher Lohn für unvergleichliche Arbeit, oder? Wenn wir, die Gesellschaft, glauben, dass wir Banker brauchen und Krankenschwestern, Schreiner und Pädagogen, Tierheim- und TagespflegeleiterInnen – wo liegt dann das Problem, allen, ohne Ausnahme, ein Auskommen zu gönnen mit ihrem Einkommen? Wo liegt dann das Problem, den Finger in die Wunde zu legen mit der Frage, warum wir derartige Ungleichheiten zulassen, derartige Ungerechtigkeiten?

 

Ich denke, dass das Problem in der Ausbildung zu suchen ist, die beginnt, wenn wir auf die Welt kommen. Gerald Hüther erklärt anschaulich, wie wir als kleine Entdecker und Gestalter in die Belohnungssysteme geraten und irgendwann keine Chance mehr haben, dort herauszukommen, zumindest nicht gesellschaftlich oder sonst wie geächtet. Und von entdecken und gestalten darf, aber kann dann auch gar nicht mehr die Rede sein.

 

Wenn sich alle auf ihre Art einbringen dürften, würden sich auch mehr von denen einbringen, denen wir den Wunsch bisher absprechen, die wir als „faul“ wahrnehmen, als „dumm“, als gesellschaftlich „nicht tragbar“. Warum fühlen sich Menschen abgehängt? Weil diese, die sich so fühlen, es vermutlich durch unser Modell des Zusammenlebens tatsächlich sind!

 

Es ist sicher nicht die Erklärung für alles in der Welt, aber für sehr, sehr vieles. Auch würden nicht alle einer solchen Einladung folgen, bestimmt nicht. Trotzdem ist es doch eine Überlegung oder gar ein Antesten wert, was es auslöste, „sich als Subjekt zu begegnen, anstatt sich als Objekt zu behandeln“.

 

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https://www.youtube.com/watch?v=mqPMduxo2DY

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Selbstkritik und Energie

Als Feedback zu http://stefanbeck.de/das-seminar/ vom 10.02.2017

Zu Deinen Gedanken zu Clement Greenberg u. a.

 

Selbstkritik und Energie

 

Lieber Stefan,

Du willst Dich als Künstler im „Prozess der Selbstkritik“ üben, und ich frage mich: wie geht das praktisch? Womit findet dann Vergleich statt? Und wenn man etwas oder jemanden findet, um im gegeneinander-Abwägen so einen wertenden Vergleich zu starten: wer legt die Kriterien fest? Man selbst? Der andere? Irgendjemand? Wer oder was ist die Instanz, der Maßstab? Und wenn ich „Selbstkritik“ so landläufig denke wie bisher: ich nehme irgendein anderes Verhalten/Vorgehen als das möglicherweise „richtigere“ an und hinterfrage mich dahingehend: warum nehme ich dann – auf die Kunst bezogen – das „andere“ als das „richtigere“ an?

Oder ist solches Empfinden nicht nur eine „normale“ Weiterentwicklung, ob auf dem Weg der Kunst oder einem anderen? Man wird beeinflusst und nimmt Dinge an oder nicht, entwickelt sich also von einem bestimmten Punkt x weg? Will sagen: wenn jemand annimmt, dass die Kunst für ihn oder sie an einen Endpunkt gelangt ist, was veranlasst ihn oder sie dann, es für alle Menschen als objektive Erkenntnis anzusehen, wenn es immer wieder Menschen gibt, die eine andere Entwicklung durchmachen und es deswegen anders sehen (und eben nicht heillos „romantische“, sondern kritische, selbstbewusste, differenziert denkende Personen sind)?

Wenn Du sagst, dass Du die Kunst beinahe in Richtung Aufhebung gehen siehst oder gehen wollen siehst… kommt es mir so vor, als wolltest Du einen Riesensprung über jede (doch zumindest) mögliche Entwicklung* der Kunst machen zu einem Punkt, den Du (subjektiv, persönlich) schon jetzt als gekommen siehst (und damit auch vorwegnimmst, dass er kommen wird). Ich denke, dass das sogar geht, aber eher auf der persönlichen Ebene, gleich einer Philosophie, einer Lebens- oder eben Kunstphilosophie, wirklich ähnlich der Einstellung zu beispielsweise Religiosität. Wenn es authentisch empfunden ist, beeinflusst diese Einstellung ja einfach alles, und ich verstehe Dich insofern sogar. Nur – wie immer – habe ich Schwierigkeiten mit dem Überstülpen einer Einstellung auf auch nur eine andere Person, die es aus ihrer Entwicklung heraus ganz anders sieht. Ich lese gerade „So viel Energie“ von Hanna Gagel quer. Darin geht es um „Künstlerinnen in der dritten Lebensphase“, so auch der Untertitel. Was da an persönlichem Hadern, sich-Quälen abging in so manchem Leben, das Hin und Her des „Was bringt es?“, „Genüge ich?“ usw. usf. – wolltest Du auch nur einer von ihnen sagen, dass es mit der Kunst, wie wir sie bisher kannten oder begriffen haben, sowieso aus ist, sie sich also nicht weiter quälen braucht? Dabei ist doch genau dieses Ringen „das Äußerste versuchen“!

Nun kann man argumentieren, dass die portraitierten Ladies alle alten Semesters wenn nicht schon verstorben sind, aber es gibt immer wieder Nachwuchs für die Kunst. Und das auch im Kunstbetrieb, auf dem Gebiet der Marktkunst, was damit dem Argument begegnet, Kunstlaien und schaffende Hobby-Künstler sähen das vielleicht so, „aber…“

Was Dir fehlt, wenn ich Dich richtig verstehe, ist Minimalismus bis hin zur „Reinigung“ hin zur Tilgung, und das auf allen Gebieten der Kunst.

Wikipedia: „Minimalismus strebt nach Objektivität, schematischer Klarheit, Logik und Entpersönlichung. Typisch für Skulpturen und Objekte des Minimalismus ist das Reduzieren auf einfache und übersichtliche, meist geometrische Grundstrukturen […]“

Bei Adorno habe ich (denke ich/hoffe ich!) begriffen, dass er forderte, die Kunst/das Kunstwerk möge sich bitte vom Erschaffer emanzipieren, ein für sich selbst sprechendes Ding werden/sein. Entpersönlichung in Reinform, aber eben dann doch auch Entmenschlichung! Künstlerkollege Peter Busch (http://www.aus-der-waldhuette.de/), der minimalistisch arbeitet und den ich schätze, ist doch nicht beliebig austauschbar durch jeden Menschen, der auch minimalistisch arbeitet; es spielt doch eine Rolle, dass da der Mensch Peter Busch arbeitet! Und wenn da Menschen arbeiten in der Kunst, dann gibt es sehr legitim so lange alles, was Menschen eben für notwendig halten bei der Kunstarbeit.

Wikipedia: „Als ihre Stärke hebt Schnädelbach die Pluralität der Philosophie hervor und begreift sie als fortlaufend kritisches Gespräch im Spannungsfeld von Aufklärung und Wissenschaft.“

Zitat Herbert Schnädelbach: „Die Philosophie ist ein Plural; ihre innere Pluralität ist ihre Stärke. Ein Grund hierfür liegt in dem Doppelcharakter, mit dem sie im Abendland entstand – als Wissenschaft und Aufklärung. Welterkenntnis und Selbstdeutung, objektive Theoriebildung und subjektive Orientierung – das Erbe von Aristoteles und Sokrates – sind in unserer Tradition immer wieder neue Konstellationen eingegangen. Auch darum müssen wir heute Aufklärungsbedarfe immer zugleich an die Wissenschaften verweisen – hier wird m. E. über die Differenz zwischen Philosophie und Pseudophilosophie entschieden – wie wir umgekehrt in den Wissenschaften Aufklärungsprozesse anzumahnen und zu ermuntern haben. Aber auch der Sache nach ist die Philosophie ein Plural, wenn wir sie als Inbegriff gedanklicher Orientierungsversuche im Bereich der Grundsätze unseres Denkens, Erkennens und Handelns verstehen. […] Hierbei werden wir uns der verschiedensten Hilfsmittel bedienen – nicht nur was uns die historisch-hermeneutische Wissenschaftlichkeit an die Hand gibt; Monopole sind auch in der Philosophie kontraproduktiv. So vielfältig und vielgestaltig die Erwartungen sind, die an uns herangetragen werden, so phantasievoll und flexibel müssen wir sein, wenn es darum geht, ob wir sie verantwortlich erfüllen oder sie enttäuschen.“

Ich mag disziplinübergreifendes Denken, weil es vor Fachidiotie bewahrt, Dialog fördert und sich mit der „Alltagstauglichkeit“ der Dinge beschäftigt, wenn man so will. Und auch, wenn Philosophie und Kunst nicht direkt vergleichbar sind: kann man nicht auch die Kunst als einen Plural denken…?

Viele Grüße,

Sabine

 

* Ich glaube nicht an eine Entwicklung „der“ Kunst, weil ich zum Beispiel ja auch nicht an einen Gewinn durch „Entpersönlichung“ glaube. Oder, um dem Vorwurf zu entgehen, dass alles eine „Glaubenssache“ sei: ich halte eine Entwicklung in der Kunst für nicht in dem Sinne vorhanden, wie es gelehrt wird, sondern bin der Ansicht, dass man nur in der Rückschau einen „roten Faden“ zu sehen meint. Du hast selbst (mindestens ein Mal, an das ich mich erinnere) beklagt, worauf im Studium mittlerweile Wert gelegt wird, und die Anpassung der Studenten an die aktuelle „Mode“, an das, was „läuft“, spielt eine Rolle bei dieser später in der Rückschau gesehenen angeblichen Weiterentwicklung. Ich halte das also nicht für authentisch. An eine persönliche Weiterentwicklung glaube ich unbedingt, aber wiederum nicht in dem Sinne, dass das dann unbedingt für einen Betrachter sichtbar wäre; ich verweise immer gern auf die Anekdote, wo jemand die Weiterentwicklung eines Künstlers x lobt, aber die Kunstwerke, die das belegen sollen, auf der Zeitachse vertauscht…

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„… da berühren sich Himmel und Erde…“

Liebe MitleserInnen,

ich habe lange überlegt, ob ich den Text veröffentliche, und mich letztendlich dafür entschieden. Als Brief ist er zwar persönlich, aber mit den Gedanken darin gehe ich offensiv um, und sie könnten eventuell der einen oder anderen Person dienen, die auf einem speziellen Entscheidungsweg ist:

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Liebe Anna,

ich bin römisch-katholisch getauft, bin mit zur Kommunion gegangen und bin gefirmt. Mit neun Jahren hatte ich es sicher noch nicht hinterfragt, habe im Gegenteil alle Feste, die sich boten, sehr gerne begangen. Ich habe gebeichtet und die Eucharistie gefeiert. Ich mochte auch den durch Ethikfragen geprägten Religionsunterricht, nahm nur zunehmend eine Diskrepanz wahr zwischen der Theorie der Dinge und ihrer Realität. Zur Zeit der Firmung, also mit sechzehn Jahren, war diese Diskrepanz noch gut auszuhalten, zumal ich immer auch mit Menschen befreundet war, die sich in ihrer Gemeinde engagierten und bei denen ich die „gute Seite“ der Religion sehen und teilweise mit erfahren konnte. Denn diese – die gute Seite – gibt es tatsächlich. Es gibt das Helfen, den Zusammenhalt, die tröstende Gemeinschaft.

Menschen in meiner ungefähren Altersklasse heirateten, vorwiegend auch kirchlich, und so auch ich; da war ich sechsundzwanzig. Dass die Ehe nicht gehalten hat, geht aber nicht zu Lasten von Religion 😉 ; das lag an unserer individuellen Entwicklung, und mit [x] verstehe ich mich heute besser als in unserer letzten gemeinsamen Zeit. Ich habe Eheschließungen offiziell und gerne bezeugt. Freunde und Bekannte bekamen ihre Kinder und tauften sie, und zwei Familien haben mich vertrauensvoll um die Patenschaft für eines ihrer Kinder gefragt. Eins davon bist Du, Anna, und Du wirst heute gefirmt.

Es ist schwierig, die passenden Worte zu finden, denn einerseits feiere ich gerne mit Dir dieses kirchliche Fest, andererseits gehöre ich keiner Religionsgemeinschaft mehr an; ich bin unmittelbar nach unserer Scheidung aus der Kirche ausgetreten. Bei mir hat das Gefühl der Diskrepanz, seit Jugendtagen stetig gewachsen, gesiegt. Diskrepanz zwischen christlichem Anspruch und dem Umgang mit Frauen (gerade in der katholischen Kirche), Diskrepanz zwischen christlichem Anspruch und dem Umgang mit Homosexualität oder Scheidung, Diskrepanz zwischen christlichem Anspruch und fehlendem Verantwortungsgefühl in den bekannt gewordenen Kindesmissbrauchsfällen bis hin zu Vertuschungsversuchen, Diskrepanz zwischen dem Reichtum der Kirche und der Armut mancher Teile der Welt und zwischen Friedensanspruch und Instrumentalisierung mancher Gottheiten zum Machterhalt bis hin zum Krieg. Jede Religion ist menschengemacht, und jede Religion verabsolutiert ihren Glauben und meint zu wissen, „was Gott will“. Das konnte ich guten Gewissens nicht mehr mittragen.

Aber: obwohl mein Glaube schwankt, ist er noch da. Ich bezeichne mich immer noch als gläubigen Menschen, weil ich mir nicht vorstellen kann, dass es nichts Größeres „über uns“ geben soll. Für mich bedeutet dieses „Größere“ aber auch, dass wir uns nicht nur keine Vorstellung machen sollten von dieser Höheren Macht, sondern es als Menschen auch gar nicht können. Niemand von uns kann behaupten, er oder sie wisse, „was Gott will“. Aber: wir können immer noch helfen, zusammenhalten, einander tröstende Gemeinschaft sein.

Das möchte ich Dir immer sein, Anna; ob Du davon Gebrauch machst oder nicht: das Angebot gilt! Als Deine Mama mir gesagt hat, was meine Aufgabe in der Kirche sein würde – hinter Dir stehen, meine Hand auf Deiner Schulter – da habe ich dieses Bild vor mir gesehen, und es hat mich sehr berührt. Da wird heute jemand anderes stehen, der es nicht minder ernst mit Dir meint und seine Sache in jeder Beziehung gut machen wird, und es kann sein, dass ich ein Tränchen verdrücke. Sei versichert, dass auch ich immer hinter Dir stehen werde und, wenn Du es möchtest, Dich allezeit in Deinem Sinn begleite.

Liebe, Hoffnung, Barmherzigkeit, Gerechtigkeit sind neben dem Glauben Wertebegriffe der Christenheit. Ich denke heute, dass man sie sehr glaubwürdig innerhalb wie außerhalb einer Religionsgemeinschaft leben kann, und in diesem Sinne – wenn auch nicht mehr in den Augen der Kirche – bleibe ich also

Deine Patentante Sabine

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